Cesário pelo 11.º 2.ª

João S. (Bom(-))

Aproveito o quadro “O Grito”, de Edvard Munch, pintado em 1893, poucos anos após a morte precoce de Cesário Verde (1855-1886). O pintor ficou sem mãe com apenas cinco anos, tendo esta morrido de tuberculose; a sua irmã morreu da mesma doença quando tinha apenas catorze anos. O poeta teve o mesmo destino trágico, tendo morrido, devido à tuberculose, com apenas trinta e um anos.

Ambos, nas suas obras, abordam temas humanos difíceis e de sofrimento (solidão, melancolia, angústia ou medo). Sem dúvida que, de toda a obra de Cesário Verde, “O Sentimento dum Ocidental” é o poema que mais se relaciona com “O Grito”. Ambos representam o que foi visto pelos autores durante um passeio, de forma irreverente e até chocante. Aquilo que mais salta à vista no quadro é a personagem central, cadavérica, assustada ou, mesmo, traumatizada: a forma distorcida e a sua expressão revelam a dor e as dificuldades que a vida pode apresentar, resultando no grito, uma forma de expressão desse sentimento. É o espelho da sociedade lisboeta, devastada pela tuberculose, e do próprio Cesário: “eu sonho a Cólera, imagino a febre, / nesta acumulação de corpos enfezados;” (II, vv. 25 e 26). O sofrimento da personagem é causado pelo ambiente em que se encontra e por aquilo que está a experienciar, e que é semelhante ao que encontramos em poemas de Cesário, mas, neste caso, causado pelo ambiente urbano — “Nas nossas ruas, ao anoitecer, / Há tal soturnidade, há tal melancolia, / que as sombras, o bulício, o Tejo, a maresia / despertam-me um desejo absurdo de sofrer” (I, vv. 1 a 4).

Em segundo plano é possível ver dois sujeitos, aparentemente bem vestidos, indiferentes ao que se estava a passar, e um rio com várias embarcações. É algo que lembra Lisboa do século dezoito, o Tejo e a sua burguesia, de que Cesário fazia parte. As suas cores frias (tons de azul) e a sua tranquilidade contrastam com as cores quentes e garridas do céu, contraste acentuado entre a burguesia e a plebe, que, à época, vivia com muita miséria e sofrimento. Lembra-me o contraste entre o sujeito poético e o seu “velho professor nas aulas de latim” (III, v. 44), que lhe pede esmola.

Por fim, o céu vermelho e até um pouco melancólico, imagem à primeira vista irreal e surrealista, e que corresponde a um episódio realmente vivido pelo pintor enquanto passeava em Oslo, é facilmente relacionável com as marés de fel (IV, v. 44) descritas por Cesário, uma metáfora que funciona como um “grito” para demonstrar a amargura, a tristeza e a imensa dor sentida pelo poeta.

Marta (Bom+/Muito Bom-)

Ocupo-me desta obra de Édouard Manet — «Berthe Morisot au bouquet de violettes [Berthe Morisot com um bouquet de violetas]» (1872) —, nascido vinte e três anos antes de Cesário (1855-1886), mas, ainda assim, de melhor saúde do que o lisboeta (a quem a doença impossibilitaria qualquer esperança de poder visitar aquela pintura, cento e trinta e três nos mais tarde, já exposta no Museu d’Orsay, se por acaso não bastasse o facto de ninguém viver tanto tempo, tuberculoso ou não). Enquanto o poeta deambulava pelas ruas de Lisboa, o pintor regressava a este retrato depois de servir no exército francês na guerra de 1870.

Realça-se, na estética do pintor francês, o que terá marcado a sua influência no rumo do impressionismo, e que acontece com Cesário e a poesia em Portugal, que não estaria preparada para a sua inovação e talento precoces. Refiro-me à preferência de Manet pelos jogos de luz e de sombras no que seria a representação do real de forma crua. Na tela de Manet, surge uma mulher, pintada em contrastes cromáticos que não escapariam à forte componente visual de Cesário, cujas revelações da cor dão lugar a associações emocionais. Em «De tarde», o poeta sugere que o momento se registe numa «aguarela», esta em tons vivos que despertam da renda e do ramalhete, iluminados pelo mesmo sol que provoca belíssimas imagens em «Um Bairro Moderno». As referências implícitas e explícitas de Cesário à claridade, contudo, contrastam com a escuridão da doença e aprisionamento. Se Manet envolve a bela mulher em trajes negros, também Cesário deixa que a sua recorrente infelicidade envolva a realidade, tornando-a cinzenta e melancólica. Os jogos de sombras despertam no «eu» de «O Sentimento dum Ocidental» «um desejo absurdo de sofrer», que, simultaneamente, resultam em sensação de tontura e isolamento, «por becos», onde agora Cesário veste os tons escuros do pintor francês.

Com os seus pincéis, Manet fugia à regra e técnicas convencionais, contrastando os usuais tons claros com zonas escuras. À semelhança do pintor paresiense, Cesário também se diferenciava dos restantes com uma abordagem inovadora, escrevendo sobre a cidade: a mesma que, em «Cristalizações», se refletia no chão molhado e, em «O Sentimento dum Ocidental», se assemelhava a «gaiolas, com viveiros / As edificações somente emadeiradas» (vv. 13-14). Portanto, o lisboeta envergava duplamente a vertente revolucionária do francês: quanto à paisagem descrita, e quanto à capacidade de jogar com os tons da mesma, transformando-os, em «O Sentimento dum Ocidental», em efeitos doentios capazes de «esmagar», arrepiantes, e, simultaneamente, em elementos dinamicamente opostos, que, pelo seu «rubro», despertam vitalidade e energia.

Cesário aproxima-se indubitavelmente de Manet com a débil, «tímida e quieta», uma «pombinha branca», «bela, frágil, assustada», a quem admira a beleza e juventude (vv. 2, 15, 19, 20, 25, 34, 37, 38), sugerindo, com a sua visão de poeta, o que, nas mãos do pintor, teria originado um retrato semelhante àquele sobre que nos debruçámos.

Camily (Bom)

Pablo Picasso é, ainda hoje, um dos pintores mais conhecidos do mundo. Nasce em 1881 e estava a poucos meses de completar seus cinco anos quando Cesário Verde, poeta português, veio a falecer, em julho de 1886. O quadro acima intitula-se “Vieux guitariste aveugle [Velho guitarrista cego]”. É uma pintura a óleo, concebida por Picasso no ano de 1903.

No quadro, vemos um homem que já atingiu uma certa idade e que, pelo titulo, sabemos ser cego. O homem segura a sua guitarra de forma quase que desleixada, ou como se a mesma fosse demasido pesada para os seus braços magros a aguentarem. Mas o que  ressalta mais aos olhos é a expressão facial do cego. Esta, Transmite uma tristeza inexplicável e tal melancolia que acredito que faz qualquer um ter pena. Também podemos afirmar que o senhor da pintura apresenta a aparência de uma pessoa doente e, como podemos notar pelas suas vestimentas, pobre. Ainda mais, podemos afirmar, pelas cores utilizadas pelo poeta, que o velho guitarrista está a tocar numa rua, já de noite, o que também transmite solidão.

Todos estes sentimentos são também encontráveis nos poemas de Cesário, principalmente em “O Sentimento de um Ocidental”. Já no começo do poema, a forma como o sujeito descreve a noite pode também ser usada para descrever a paisagem sombria da pintura de Picasso “Nas nossas ruas, ao anoitecer, / Há tal soturnidade, há tal melancolia,” (I, vv. 1 e 2) e ainda “Triste cidade! Eu temo que me avives / Uma paixão defunta!” (II, vv. 33 e 34). Ainda mais à frente, o “eu” expõe o seu sentimento, dizendo “Tão mórbido me sinto” (II, v. 6), “E eu sonho o Cólera, imagino a Febre, / Nesta acumulação de corpos enfezados;” (II, vv. 25 e 26); sendo esse o mesmo sentimento que o retratado da pintura nos transmite, pois que, como já referido, parece estar quase morto, doente. Outro aspeto interessante: de certa forma Cesário parece descrever até mesmo as vestimentas do herói da pintura: “Um sopro que arrepia os ombros quase nus.” (III, v. 4).

Considero interessante como podemos conjugar a pintura e o poema: é quase como se Pablo Picasso e Cesário Verde sentissem a mesma melancolia, solidão e cólera quando criaram as suas magníficas obras, mas um em pintura e outro em poesia. O poema e o quadro transmitem, ambos, sentimentos tristes. Duas obras de artistas que nasceram em lugares diferentes, e viveram em tempos diferentes, mas que parecem ter sido pensadas quase pela mesma pessoa.

João Pedro (Bom (+))

Utilizo este quadro de Renato Leal — “Rossio” (1997-1998) — para fazer uma comparação com o estilo de escrita de Cesário Verde.

Apesar da grande diferença de idades, as pinceladas deste pintor já falecido podem ser comparadas à poesia de Cesário Verde. Nesta tela podemos reparar no ambiente sombrio que transmite um pouco a sensação de um “conforto desconfortável”. Passo a explicar: os tons azuis da grande fonte presente na baixa de Lisboa, mais propriamente, na praça do Rossio, transmitem a sensação de um tempo gelado, inverno, talvez até no Natal; no entanto, mergulhado nesta tinta marinha encontramos um candeeiro (elemento também presente variadíssimas vezes no Livro de Cesário Verde e Poesias Dispersas, 1.ª edição, 2018), um apenas, que nos transmite a sensação de “jogo ardente” (“Deslumbramentos”, v. 21).

Num plano recuado desta tela podemos notar os lisboetas que passam, cada um com a sua vida como se de um “carreiro de formigas” (“De Verão”, X, v. 5) se tratasse. A circunstância de, nesta arte, o observador parecer afastado de todos faz lembrar o poema “Noite Fechada” (originalmente, “Noitada”; e, note-se, não confundível com a segunda parte de “O Sentimento dum Ocidental”), onde o “eu” dos versos passeia acompanhado enquanto observa o luar, as vizinhas que falam de janela a janela, uma claríssima “polaroid”. Tal poema faz-me questionar se o poema, também de Cesário Verde, “Petiz” pudesse remeter para a mesma noite que “Noite Fechada”, uma vez que podemos imaginar um ambiente semelhante a ambos mas numa hora mais avançada da noite, “[n]as nossas ruas, ao anoitecer” (“O Sentimento dum Ocidental”). Este ambiente que podemos imaginar pode ser também retratado sob a forma do quadro já apresentado: o sujeito poético vai acompanhado, as vizinhas que falavam de janela a janela são substituídas por homens alterados depois de várias bebidas. Pergunto-me se Cesário Verde não quererá enquadrar uma passagem de tempo, desta vez, em poemas, a priori, distintos.

Este não seria o único caso em que Cesário Verde faz uma analogia ou assimetria entre poemas escritos pela sua mão. Por exemplo, em “O Sentimento dum Ocidental”, o “eu”, que passeia por versos de métrica variada, que se sente cansado, mórbido, doente, é o total oposto do “eu” presente na última estrofe de “Provincianas”, que se sente confortável, em família, pronto para uma noite de descanso, o que acaba por ser irónico por ter sido a última estrofe redigida por Cesário Verde.

Depois de redigidas as suas últimas palavras consigo imaginar Cesário Verde a caminhar por ruas sobre as quais não chegou a escrever, consigo imaginá-lo a dirigir-se à fonte da Praça do Rossio numa noite de inverno e a observar os lisboetas que passeiam. Consigo imaginá-lo a parar, depois de quilómetros e quilómetros percorridos por poemas que chagaram até aos dias de hoje.

Afonso (Bom+/Muito Bom-)

O principal motivo que me levou a escolher o quadro de Salvador Dalí, “Galatea das Esferas”, pintado em 1952, foi a atração que o mesmo exerce sobre mim, como exemplo único do surrealismo. Como é característico nos surrealistas, Dalí deixa o mundo real para penetrar no irreal, o que contrasta com a poesia de Cesário Verde, que utiliza temas concretos e autênticos.

Ambos foram inovadores. O mundo não estava preparado para a poesia de Cesário, diferente da corrente mais romântica que era então apreciada, e Dalí destaca-se, meio século depois, com as suas pinturas insólitas e desconexas. Cesário transgride na forma e no conteúdo, preferindo quadras a sonetos e escolhendo temas não poéticos mas captando o que se passa e descrevendo-o em instantâneos impressionistas. Dalí transgride, igualmente, utilizando um estilo ousado, vanguardista e libertador. Dalí oferece-nos a aproximação ao fantástico, no ponto onde a razão humana perde o controlo, e Cesário Verde, a captação do real, transmitindo-nos as perceções sensoriais resultantes do quotidiano. Em oposição aos temas abordados pelo poeta, que carateriza a realidade da cidade em contraste com o campo, este quadro resulta do fascínio do pintor pela ciência e pelas teorias da desintegração do átomo.

No quadro “Galatea das Esferas”, o pintor retrata a mulher, neste caso Gala Dalí, sua esposa e musa, através de uma explosão de esferas aparentemente suspensas no espaço, representação significativa do período de misticismo nuclear do pintor. Cesário Verde, que também utiliza a figura feminina como um dos temas principais da sua poesia, retrata-a como uma figura altiva (em geral, quando se refere à cidade) ou frágil (sobretudo, quando se refere ao campo), caraterizando a mesma de acordo com a realidade humana, por exemplo os seus olhos ou as mãos, como podemos verificar em “Arrojos”, quando refere “Dos seus olhos que ferem como espadas” ou “Tomar-lhe as mãos "mignonnes" e aquecê-las”. O retrato que Cesário traça da mulher como figura humana refere-se tanto aos aspetos físicos como aos sentimentos: “Se a Laura dos meus loucos desvarios| Fosse menos soberba e menos fria”. Em oposição à descrição real e humana que Cesário faz da figura feminina, Dalí transforma o rosto de Gala num cenário descontínuo e fragmentado que, na tela, assume uma visão surreal.

No entanto, ambos se debruçam com grande intensidade sobre a figura feminina, ainda que de forma distinta. Dalí tenta revelar a perfeição da sua musa através de esferas que divagam pelo espaço, procurando evidenciar o seu lado magnífico. Cesário descreve a mulher como distante e fria, desejando neste poema a sua mudança (“Se”) para atingir o amor verdadeiro que permita “nunca, nunca mais” se afastarem.

Curioso é o facto de Dalí retratar a mulher amada de forma fantasiosa como perfeita e Cesário descrevê-la como imperfeita, desejando a sua mudança para atingir uma “visão da fantasia” que permita chegar à perfeição. É como se o pintor pintasse o sonho de forma fantasiosa e o poeta escrevesse a realidade, sonhando com a fantasia.

Cabo (Bom -/Bom (-))

Aproveito este quadro de Johann Füssli — “Le cauchemar [O Pesadelo]” —, que nasceu em 1741, mais de um século antes de Cesário Verde (1855-1886), e morreu a 1825, com 84 anos. O pintor aprendeu a arte de pintar com o pai, que também era pintor, e viajou pelo mundo, evoluindo a partir de perspetivas artísticas diferentes.

Esta pintura a óleo, “nascida” a 1781, é o trabalho mais conhecido de Füssli e, devido a esta fama, o artista pintou pelo menos mais três versões do quadro.

Apresenta uma senhora a dormir enquanto um cavalo e um “íncubo” a observam. A senhora é apresentada em cores claras, enquanto o resto aparece escuro e negro. Esta escuridão também está presente nos trabalhos de Cesário Verde, como em “O Sentimento dum Ocidental”. Nesta obra de Cesário Verde, o poeta vagueia pela cidade, onde ela é escura e melancólica — “Nas nossas ruas, ao anoitecer, / Há tal soturnidade, há tal melancolia, / que as sombras, o bulício, o Tejo, a maresia / despertam-me um desejo absurdo de sofrer” (I, vv. 1 a 4). O sujeito poético passeia sozinho, só ele e os seus pensamentos, quase como se estivesse preso na sua cabeça. Este quadro também transmite sentimentos parecidos: a beleza e a luz da senhora presas na escuridão da noite e do medo. A mulher no quadro está com a sua cabeça pendurada, o que expõe o pescoço. Esta posição faz parecer que a mulher não está a dormir, mas morta, encorajando os pesadelos, que são representados pelas figuras demoníacas no fundo.

Este quadro também pode representar o estado de Cesário Verde durante a sua vida. O poeta sofria de tuberculose, da qual se tentou, em vão curar, que poderia ser representada pelas figuras demoníacas no fundo e pela escuridão geral do quadro. A senhora de pele clara e de roupas claras poderá corresponder à arte e ao talento de Cesário Verde, que nunca pôde alcançar o seu máximo pelos efeitos da doença. A luz não consegue fugir do quadro pelos efeitos da sua escuridão.

Por outro lado, a mulher no quadro pode equivaler à felicidade de Cesário Verde. Esta felicidade já foi tão reprimida pela escuridão e angustia, que ele já desistiu de a procurar, sentindo-se mais seguro e refugiado na dor e no sofrimento, representado pelo seu “desejo de sofrer”.

Ivo (Suficiente +)

Aproveito este quadro de Claude Monet – “Impression, soleil levant [Impressão, nascer do sol]” (1872) –, que nasceu em 1840, quinze anos antes de Cesário Verde (1855-1886), mas morreu já em 1926. O pintor passou por várias épocas de transição da arte, como o Impressionismo, a arte moderna e o realismo. No entanto, o poeta, apesar de ser um dos precursores da poesia que seria feita em Portugal no século XX, não chegou a atingi-lo.

Realce-se que esta pintura dá início ao movimento impressionista. Pra que Monet pudesse mostrar a sua obra, foi-lhe disponibilizado, por um grupo de artistas fora do Salão de Paris, o atelier de um fotógrafo. A exposição seria abalada pela crítica que troçou, até, o nome do quadro. E acontece o mesmo a Cesário Verde e à poesia portuguesa que, naquela altura, não estava preparada e nem tinha a mesma visão que Cesário. Monet, na sua pintura, usa a sobreposição de cores originais, cruas, sem misturas, uma característica da técnica impressionista. No quadro, consegue imaginar-se uma grade atrás da pintura, que indica a sobreposição de pinceladas. Apesar de a exposição ter sido um fracasso, revelou a nova tendência da arte, a arte moderna.

A intenção do pintor era registar impressões, captar a luz, as sensações e efemeridade do momento. O impressionismo capta a vida como realmente é. A vida quotidiana, o prazer, o mar, a terra, as pessoas. O pintor tem interesse pelas formas da realidade, as suas transformações, os seus movimentos, as luzes, as suas características, assim como Cesário Verde em “Num Bairro Moderno”. Ao longo do poema o sujeito poético vai andando pela cidade, escrevendo o que vê e descrevendo os movimentos e paisagens da cidade: “Pelos jardins estancam-se as nascentes; / E fere a vista, com brancuras quentes” (vv. 3-4), em que o escritor relaciona as sensações que a cidade lhe transmite; “Que no xadrez marmóreo d’uma escada / Como um retalho de horta aglomerada” (vv. 18-19), em que utiliza a comparação para descrever as paisagens da cidade. Até que o “eu” para, observa uma mulher e pinta com as suas palavras – “Se ela se curva, esguedelhada, feia / E pendurando os seus bracinhos brancos” (vv. 24-25). Por fim, o eu relaciona as características físicas com hortaliças (“Uma cabeça numa melancia, / E nuns repolhos seios injetados”, vv. 44-45), descrevendo assim o corpo da mulher.

Monet e Cesário partilham a mesma ideia, apesar de estarmos diante de uma pintura e de poesia. O poema e o quadro são feitos no mesmo estilo, feitos por artistas muito à frente da sua época.

Pedro F. (Bom (-)/Bom)

O quadro “A cabana”, de Vincent van Gogh, pintado em 1885, lembra, em certos aspetos, a escrita de Cesário Verde, por exemplo na importância dada à luminosidade e ao pormenor, apesar de se afastar da visão de campo de Cesário.

Cesário Verde, ao longo da sua vida, teria passado longas temporadas no campo, na quinta de Linda-a-Pastora, o que o levou naturalmente a sentir saudades quando partia para Lisboa para tratar do negócio de família. Em alguns de seus poemas, Cesário apela a essa saudade do campo para descrever como se sente na cidade (“Nas nossas ruas, ao anoitecer, / Há tal soturnidade, há tal melancolia,”, ”O Sentimento dum Ocidental”, vv. 1-2). Ao mesmo tempo, van Gogh, utilizando uma mistura entre tons quentes e tons frios colocando uma determinada escuridão na obra, fá-la parecer um pouco nostálgica de forma triste e solitária ao observador, o que contraria a visão do campo de Cesário, pois este tem uma ideia também nostálgica mas positiva.

Vincent van Gogh fora uma criança de poucas palavras, sério, pensativo, o que pode tê-lo tornado num homem dedicado ao pormenor. Podemos ver que não se cingiu ao que estava na paisagem quando pintou “De hut” pois ele consegue ver o que outros não veem, e exprime tanto o que vê como o que outros veem, é pura poetização do real, enquanto que Cesário, como mestre na arte de adjetivação, tem também um modo especial de ver o que o rodeia. Isto permite-lhe fazer uma transfiguração do observado, sem nunca perder a ligação ao real faz uma transfiguração do real.São portanto, os dois, homens com visões incomuns do real.

Cesário, em certos casos, apela à beleza e à frieza da mulher como forma de humilhação do sujeito poético(”Eu que sou feio, sólido, leal, / A ti que és bela, frágil, assustada”,”A Débil”, vv. 1-2), e noutros, apela à bondade e à beldade da mulher de modo a louvá-la (”O peito erguido, os pulsos nas ilhargas, / D’uma desgraça alegre que me incita,”,”Num Bairro Moderno”, vv. 92-93), enquanto que van Gogh, como homem de poucos relacionamentos ou de paixões não correspondidas, em “De hut” dá à mulher um papel insignificante, quase que desnecessário, como forma de a menosprezar. Assumo então que ressente a dor que os seus apegos causavam.

Podemos concluir, então, que, apesar da ligação direta entre o tema geral desta obra, o campo, e o tema dos poemas de Cesário Verde, existem vários aspetos divergentes, como a imagética feminina e o tipo de nostalgia que é expresso.

Diogo S. (Suficiente +)

Escolho o quadro «Noite Estrelada» (1889), de Vincent Willem Van Gogh, que se encontra no MoMA — The Museum of Modern Art — Nova Iorque, para encontrar pequenas relações com os poemas de Cesário Verde. Nascido na Holanda dois anos antes de Cesário (1855-1886), foi considerado uma das figuras mais famosas e influentes da história da arte ocidental. Tal como Cesário, que faleceu com tuberculose aos trinta e um anos, Van Gogh também tinha problemas de saúde, sofrendo episódios psicóticos e alucinações, tendo-se suicidado aos trinta e sete anos (1890), quando estava num hospício em Saint-Rémy-de-Provence.

Poderá dizer-se que esta obra pintada a óleo é uma representação imaginária, visto a vila não se ver do quarto onde o pintor se encontrava e, embora seja a pintura de uma noite estrelada, foi executada durante o dia. Todo o seu ar obscuro no meio das montanhas, com um cipreste gigante, dá-lhe um aspeto fantasmagórico. A vila parece estar a ser atacada por uma chuva de estrelas, podendo a pintura ser interpretada como o fim do mundo. Todo este conjunto de situações transmite-nos tristeza e melancolia, sentimentos que nos mostram o estado de espírito do pintor nos seus últimos anos de vida.

Apesar de este quadro ter sido pintado já depois da morte de Cesário, conseguimos encontrar traços de sentimentos semelhantes em vários dos seus poemas. Em “O Sentimento dum Ocidental I – Ave-Marias“, em que o poeta diz que “Nas nossas ruas, ao anoitecer / Há tal soturnidade, há tal melancolia”, conseguimos perceber sentimentos de tristeza. Também em “O Sentimento dum Ocidental II – Noite Fechada”, onde se diz “Toca-se às grades, nas cadeias. Som que mortifica e deixa umas loucuras mansas!” e “Triste cidade! Eu temo que me avives  uma paixão defunta!”, voltamos a encontrar relação com os sentimentos de Van Gogh. Estava num quarto com grades nas janelas, sofrendo alucinações e episódios psicóticos, levando-o a pensamentos mais profundos, como, por exemplo, à morte.

O estilo de escrita do poeta é bastante realista, pois conseguimos visualizar o que nos transmite ao pormenor, fazendo com que nos sintamos nós próprios a viver o poema. Podemos ter como exemplo “Desastre”, quando o poeta declama “Caíra dum andaime e dera com o peito, / Pesada e secamente, em cima duns tapumes”, que transmite imediatamente o sentimento de dor.

Este estilo realista também caracteriza a pintura de Van Gogh. No quadro em questão, embora seja uma ilusão, todo o ar soturno, as cores usadas, o cipreste gigantesco e a vila muito lá ao longe, quase em 3D, conseguimos visualizar a realidade de Van Gogh, realçando-se o sentimento de medo e pavor que, possivelmente, vivia no seu dia a dia no hospício.

Sebastião (Suficiente +)

Utilizo este quadro de Wassily Kandinsky – "Composição V" (1911) –, nascido em 1866, onze anos depois de Cesário Verde (1855-1886), e que faleceu em 1944. O artista teve uma vida turbulenta, testemunhando as duas grandes guerras e viajando em países como a Rússia, a Alemanha e a França, onde acabou por morrer.

Em ambas as obras destes artistas podemos ver o início de uma revolução, uma mudança de rumo do que seria a escrita e arte do século XX. Por um lado, Cesário Verde introduziu-nos à fuga ao estilo clássico da escrita, arriscando numa maior liberdade na elaboração de um texto, enquanto Kandinsky criou o que seria um dos primeiros quadros abstratos do mundo, desafiando o familiar e o habitual.

Esta inovação de Kandinsky pode ser vista no seu quadro "Composição V", que alguns acreditam ser o primeiro quadro abstrato. A pintura faz parte de uma coleção de dez “Composições” que exploram a natureza da cor e do abstracionismo. Este quadro era diferente de tudo o que tinha sido produzido até à altura. Enquanto muitos artistas estavam presos na pintura moderna, Kandinsky e outros começaram a criar o que seria a pintura contemporânea. Começaram a surgir o Fauvismo, o Cubismo e muitas outras escolas. O quadro de Kandinsky foi uma novidade na época pela sua diversidade de problemas: a ausência de volume ou dimensão, nenhuma indicação de primeiro plano ou plano de fundo, nenhum vestígio de luz ou atmosfera que possa criar a ilusão do espaço. Todos estes pequenos aspetos criam a obra de Kandinsky.

Cesário Verde foi também uma inovação, desta vez na escrita portuguesa. Este escritor introduziu novas ideias como: a expressão clara e objetiva, o recurso abundante a adjetivos, a preocupação com a beleza e a perfeição formal. Ele manteve sempre um tema original, utilizando as suas comparações da cidade e do campo e/ou a poetização da realidade.

Em ambos os artistas encontramos inovações, novas ideias, como também um sentimento de morte. Por um lado, temos Cesário com uma vida difícil, porque perdeu a irmã e o irmão com tuberculose, doença de que ele próprio, mais tarde, veio a padecer. Este sentimento de morte presente, que Cesário sentia, pode ser visto na sua escrita, por exemplo num dos mais belos poemas do autor “Nós” (1884): “a Febre / E o Cólera também andaram na cidade,”. Aqui a Febre e a Cólera são sinais de doença e de morte. Também a obra de Kandinsky tem presente o sofrimento, e é discutida por críticos como uma representação de morte e ressurreição, vendo pessoas como anjos tocando trombetas.

Por fim, a pintura de Kandinsky usa diversas cores para transmitir várias emoções, com o seu vermelho que dá o sentimento de fúria, o seu azul que cria um sentimento de paz e segurança. Cesário também usa este método: exemplo disto é na sua descrição da cidade como triste e escura, por exemplo no poema “O Sentimento dum Ocidental” – “Nas nossas ruas, ao anoitecer, / … Despertam-me um desejo absurdo de sofrer.” Transmite-nos assim um sentimento de solidão e de sofrimento.

De diferentes maneiras e formas de expressão estes artistas nos presenteiam com obras de arte. Estas têm uma presença quase constante de emoções sofridas com muitas semelhanças.

Francisco B. (Bom -)

Oscar-Claude Monet, mais conhecido apenas por Claude Monet, nasceu em Paris, em 1840, e morreu em Giverny, em 1926. Foi um pintor francês, o mais célebre entre os pintores impressionistas, movimento que com ele se iniciou. O Impressionismo não pretende fazer o retrato fiel da realidade, mas usar a luz e o movimento para deixar marcado no quadro o olhar do pintor que captou impressões da realidade.

O quadro escolhido intitula-se “Soleil levant” (Impressão, Nascer do sol), foi composto em 1872 e é uma pintura em óleo sobre tela, exposta no Museu Marmottan Monet, em Paris. A pintura foi criada em Le Havre, porto francês representado com um nevoeiro cerrado sobre tudo o que a vida industrial representa, o estaleiro, os barcos e as fábricas em fundo.

José Joaquim Cesário Verde nasceu em Lisboa, em 1855, e morreu em 1886, no Lumiar. Damos conta de que viveu numa época muito próxima da do pintor e, assim, a sua poesia também teve muitas influências do Impressionismo. Este poeta ficou até conhecido como Poeta-Pintor, porque observava a realidade e trazia para os seus poemas as impressões que dela ficavam.

O quadro de Monet dá-nos uma paisagem marítima. À medida que a distância aumenta, o detalhe diminui e, assim, a imaginação do espectador aumenta. Mesmo o mais próximo também é subjetivo, como é o caso dos dois barcos, ficando à nossa imaginação quem serão as pessoas que neles viajam. Apesar de se ver que este quadro mostra uma paisagem mais industrializada, não conseguimos ver nenhum pormenor dessa presumida vida industrial.

É assim que também podemos ler a poesia de Cesário, no caso do poema “O Sentimento dum Ocidental”, que apresenta as ruas de Lisboa, industrializadas e de que conseguimos ver “sombras, o bulício, o Tejo, a maresia” (v. 3), de que conseguimos cheirar “gás extravasado”(v. 6) e ver os “edifícios, com as chaminés, e a turba” (v. 7). No entanto, também não conseguimos pormenorizar os prédios, os trabalhadores e os barcos que estão no Tejo. O que Cesário nos revela é o que sente no meio desse ambiente (“Despertam-me um desejo absurdo de sofrer”; v. 4), coisa que os quadros não fazem.

Enquanto ao observar o quadro de Monet podemos imaginar o que é que o pintor sentiu ao pintá-lo — o facto de os barcos irem cada vez ficando menos nítidos pode revelar que o pintor não se sentia bem numa cidade tão suja, tão industrializada —, no poema de Cesário já referido temos acesso ao que ele realmente sente ao andar pelas ruas de Lisboa: “Triste Cidade” (v. 33) e “A noite pesa, esmaga” (v.1).

Ricardo (Bom)

José de Almada-Negreiros (1893-1970) nasceu sete anos após a morte de Cesário Verde (1855-1886). Os painéis acima apresentados encontram-se na gare marítima de Alcântara e foram pintados em 1945 pelo multifacetado artista português para a decoração do edifício. Esta pintura foi feita com base na técnica do fresco, mas também apresenta detalhes feitos posteriormente e tintas de outras cores. Embora não tivessem vivido na mesma altura, Almada e Cesário retratam a cidade de Lisboa, um através da escrita, outro através da pintura.

Na verdade, este conjunto de painéis de Almada-Negreiros representa a vida na cidade de Lisboa, do ponto de vista do pintor, principalmente a zona ribeirinha junto ao Tejo, incluindo outros elementos da cidade (a Sé, o Castelo de S. Jorge, o Aqueduto das Águas Livres, o elétrico, os barcos atracados, as varinas, entre outros). Também o sujeito poético, na sua deambulação pelas ruas de Lisboa, vai descrevendo, em “O sentimento dum ocidental”, o que vê e os locais por onde passa (“Nas nossas ruas, ao anoitecer” –I, v. 1; “Embrenho-me, a cismar, por boqueirões, por becos” – I, v. 19; “À vista das prisões, da velha Sé, das cruzes” – II, v. 7; “E saio. A noite pesa, esmaga…” – III, v. 1; “E eu sigo, como as linhas de uma pauta” – IV, v. 9). Podemos observar no quadro figuras humanas como varinas e carvoeiras, que tinham um trabalho árduo. Se repararmos no tamanho exagerado das mãos e dos pés em relação ao corpo, percebemos que Almada pretende realçar a sua força de trabalho, o que se evidencia em “O sentimento dum ocidental” (“Correndo com firmeza, assomam as varinas” – I, v. 36; “E algumas, à cabeça, embalam nas canastras / Os filhos que depois naufragam nas tormentas.” – I, vv. 39-40; “Descalças! Nas descargas de Carvão, / Desde manhã à noite, a bordo das fragatas” – I. vv. 41-42).

Na poesia de Cesário Verde é frequente uma forte preocupação social, principalmente pelas classes trabalhadoras, destacando-se as suas condições de trabalho. As varinas são associadas metaforicamente a um cardume de peixe (“Vazam-se os arsenais e as oficinas; / Reluz, viscoso, o rio, apressam-se as obreiras; / E num cardume negro hercúleas, galhofeiras, / Correndo com firmeza, assomam as varinas.” – I, vv. 33-36). Realça-se a miséria do povo com a exclamação expressiva (“Descalças! Nas descargas de carvão, / Desde manhã à noite, a bordo das fragatas; / E apinham-se num bairro aonde miam gatas, / E o peixe podre gera os focos de infeção.” – I, vv.41-44).

Assim, é esta cidade que quer Cesário Verde quer Almada-Negreiros nos retratam, onde a presença do mar e dos elementos a ele associados são importantes para a sua população.

Amaral (Bom (-))

A obra em causa — da série “Lago com nenúfares” (“Bassins aux nymphéas”) —, criada pelo pintor francês conhecido como o pai do impressionismo, Claude Monet, em 1899-1900, muito relacionável com o estilo de Cesário Verde. Talvez por ter vivido na mesma época, Cesário Verde pode associar-se ao estilo impressionista. O impressionismo começou no século XIX, na pintura, criando telas cujas pinceladas, cores vivas e movimento se tornam o foco principal do quadro.

A verdade é que a ideia de ligar o impressionismo a poemas pode parecer estranha, mas, quando se trata de Cesário Verde, essa ideia justifica-se em cada verso. Sempre que lemos um poema de Cesário, podemos imaginar os cenários, pessoas e sentimentos descritos através de “pinceladas” inesperadas, mas que deixam tudo perfeitamente claro na nossa cabeça: “construções retas, iguais, crescidas”, “ao avistar-te, há pouco, fraca e loura”, são alguns dos excertos que comprovam esta comparação pois a sua relação com a realidade não é definida, mas a beleza da escrita pinta um quadro belo, escrito em verso, que é a realidade vista de longe.

Não é só o estilo do quadro: também a pintura em si pode ser comparada com os textos. Esta pintura, na sua definição mais primordial, retrata um pequeno lago encoberto por uma imensidade de vegetação e sobre ele uma simples ponte. A verdade é que isto não podia estar mais longe do verdadeiro significado, cada detalhe representa uma dimensão de natureza que se sobrepõe à simplicidade da ponte rodeada por estes elementos vivos. Nos poemas de Cesário, o cenário impõe-se e, muitas vezes, é ele próprio que dita o estilo da escrita (sombrio, apaixonado, doente, solitário). No poema «De tarde», a ação decorre durante um pic-nic, o que abraça a ideia de natureza e utiliza o meio ambiente para dar um sentido mais alegre e apaixonado ao texto. Todo o texto se passa à volta da natureza, que influencia os elementos humanos, contando uma história de paixão e coberta de cores.

A pintura, para além deste significado, também simboliza a simples e pura beleza. Talvez não seja a beleza mais objetiva como a perfeição, mas antes o contrário: uma ideia de beleza relacionada com a pintura em si (cores e pinceladas). Isto é típico em Cesário Verde que encontra encanto em qualquer coisa, por mais monótona que seja. Usa-o no poema «Num bairro moderno», onde, a partir de legumes e frutas, projeta a imagem de uma mulher que o fascina.

Guilherme V. (Suficiente (-))

Analisando a obra “Boulevard des Capucines”(1873), de Claude Monet, nascido quinze anos antes de Cesário Verde (1855-1886), conseguimos deduzir algumas características comuns à escrita de Cesário. Claude Monet foi um dos pintores franceses criadores do impressionismo, termo derivado do título de uma de suas obras denominada  “Impression, soleil levant” (impressão, nascer do sol). As primeiras obras do pintor, até meados de 1860, foram de estilo realista, embora aqui o termo não seja equivalente ao “realismo” de escrita de Cesário Verde.

Na pintura podemos observar o retrato da sociedade de Paris sob o efeito de uma fria atmosfera, típica de inverno, que consome as carruagens, as árvores, e os parisenses a passear. As cores frias utilizadas neste quadro, para além de levantarem sentimentos tristes, solidão/tristeza, estações frias que propensam as doenças tal como Cesário em «O Sentimento dum Ocidental», também ajudam a entender que esta quase fotografia representa uma manhã ou uma tade, tal como o poeta Verde preferia descrever os seus momentos. Esta tela analisada com outras da época, mostra como Paris estava num período de transformação e a prosperar. Paris foi renovada em 1860 e deixou de ser uma antiga cidade medieval europeia para uma das mais modernas e industrializadas capitais do mundo, o que, por ser um acontecimento recente também nos leva a pensar na antiga versão de Paris, mais parecida com o campo, talvez de maior agrado para Cesário Verde.

Conseguimos também observar “uma turba ruidosa, negra, espessa”, talvez suficiente para encontrar uma donzela. Tal como nos poemas de Cesário Verde, o pintor não deixa de caracterizar Paris com a sua população, que acaba por ter um papel deveras importante nesta tela (como em Cesário, “a frialdade exige movimento” para Paris). O povo está na rua, e consegue-se ver um grande movimento (provavelmente, se pertencesse ao quadro, estaria destinado a ir “sem muita pressa, para o meu emprego”).

Pensando neste Paris dos impressionistas, Paris de pinceladas de brancos, pretos e cinzentos de Claude Monet, figura principal dos impressionistas, que conseguiu assim captar as cenas da vida da classe média da cidade utilizando a sua melhor técnica para representar as expressões mais detalhadas da natureza, aplicando cores brilhantes, frias e sem misturar, com pinceladas rápidas e curtas, um detalhe característico do estilo impressionista. Construiu assim uma obra onde as pessoas são protagonistas e dominam a tela, mas acabam também por ser o reflexo da nova vida da cidade moderna, caótica, fria e muito desenvolvida.

Francisco A. (Suficiente)

Escolhi este quadro, de Pieter Claesz — “Vanitas, Natureza Morta” —, pintado em 1630, que antecede em muitos séculos o nascimento de Cesário Verde. A obra de Claesz é vasta e parte dela encontra-se no Riijks Museum, em Amesterdão, na Holanda.

Ainda que o local exato do seu nascimento seja incerto, pensa-se que Claesz terá nascido em Berchem e, mais tarde, terá ido viver para Haarlem onde se casou e ficou o resto da vida.

A sua especialidade como pintor seria retratar os objetos de forma mais real possível e mostrar como a luz se refletia nestes. Nos seus primeiros trabalhos, Pieter Claesz usava uma palete de cores mais vivas, mas, ao longo da vida, foi adotando cores mais escuras e monótonas. O pintor nascido em Berchem, na Holanda, tinha um estilo artístico que se caracterizava pelo seu teor rico em simbolismos, com que comparo a própria escrita de Cesário Verde.

Este quadro faz parte de um estilo de arte simbólica — “Vanitas” é uma palavra latina que significa “vacuidade, futilidade”. Este tipo de arte simboliza a transitoriedade da vida, relacionando-se com a vida do poeta, porque também foi, de facto, curta.

O simbolismo da morte espalhado por todo o quadro e, especialmente, através do crânio, que se encontra em cima de um caderno,  pode relacionar-se com Cesário Verde, pois, apesar de ter morrido, continua vivo nas suas obras. A lamparina de óleo, o relógio de corda parado podem representar a brevidade da vida. O frágil copo vazio que pode fazer alusão ao quão “frágil” a vida é, podendo representar também a morte visto que está vazio, também encaixa bem com a vida de Cesário. A sua irmã terá morrido em 1872 e, mais tarde, o seu irmão morreu em 1882, acabando poucos anos depois por morrer ele também.

No quadro são utilizadas cores escuras e negras, o que corresponde á descrição sobre a cidade em alguns poemas de Cesário Verde, Concretamente em “O Sentimento dum ocidental”.

Os tópicos abordados nas obras de ambos também são igualmente sombrios. O pintor Pieter Claesz, foca-se em várias das suas obras no tópico da morte, algo que se pode relacionar com Cesário Verde, tendo em conta as suas circunstâncias de vida. O sujeito poético de “O Sentimento dum ocidental” foca-se mais nas descrições da cidade, como um local de inovação e de trabalho, mas também como local de opressão humana, de depressão, de doença e aprisionamento, descrevendo também o sofrimento ao longo de toda a extensão do poema.

O pintor também tem uma atenção muito grande aos detalhes e ao pormenor, as texturas dos objetos, as cores, a chama extinta da lamparina, a forma como a luz é refletida dos objetos. Igualmente os poemas de Cesário levam-nos por uma aventura sensorial, em que conseguimos imaginar estar na localização descrita nas obras, quase que procurando a perfeição; “Se eu não morresse, nunca! E eternamente buscasse e conseguisse a perfeição das cousas!”.

João A. (Suficiente -)

Aproveito este quadro de Gonçalo Pena – “Thyssen Atmosférico” (2009) —, que nasceu em 1967, muitos anos depois de Cesário Verde (1855-1886). Hoje em dia, este pintor vive e trabalha em Lisboa. Gonçalo estudou e licenciou-se na faculdade de Belas-Artes e viveu em Portugal até 2012, tendo depois ido viver para a Noruega até 2014.

Este artista é nosso contemporâneo, ao contrário do escritor que estou a comentar, um oitocentista, mas este quadro pintado a óleo podia ser uma ilustração de um ou vários poemas de Cesário, como, por exemplo, “O Sentimento dum Ocidental”, “Cristalizações”, etc.

Cesário Verde vivera na cidade, por isso, tem vários poemas em que o sujeito poético se situa na cidade a comentar mulheres (como, por exemplo, em “A Débil”) ou as pessoas que nela andam, ou mesmo o próprio espaço urbano (como por exemplo, os escritos do poeta referidos no parágrafo anterior).

Os quadros, obviamente, não se conseguem ouvir nem podemos sentir algo vindo deles, mas podem transmitir-nos, como sucede com esta pintura, uma sensação sonora, de temperatura e, até, sentimentos vindos dele. Estas fábricas todas são um ótimo exemplo de sensação sonora, ou uma sensação de mal-estar tal como a que esta mulher sente, e que este pintor nos transmite, como Cesário Verde faz em “Cristalizações” e em “O Sentimento dum Ocidental” respetivamente: “Não se ouvem aves; nem o choro duma nora!” (v. 16), “o céu parece baixo e de neblina, / O gás extravasado enjoa-me, perturba; / E os edifícios, com as chaminés, e a turba / Toldam-se duma cor monótona e londrina.” (I, vv. 5-8).

Este conjunto de cores do quadro que estou a aproveitar podia ser uma representação de uma das quadras do poema “O Sentimento dum Ocidental”, como mostrei anteriormente.

João Cardoso (Bom/Bom (-))

Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (1907-1954) foi uma pintora mexicana conhecida sobretudo pelos seus autorretratos. Por volta dos anos 1950, Kahlo frequentemente pintava quadros de natureza morta, o terceiro género artístico mais marcante nas suas pinturas, depois de autorretratos e retratos.

De 1951 a 1954, a sua imagem desaparece das telas, como também havia ela de desaparecer no final do mesmo ano. Apesar de não ser contemporânea de Cesário Verde, há, como que uma representação visual de seus poemas, na ligação da luxúria com elementos de natureza morta, neste caso, frutas e legumes. À medida que descreve as mulheres que observa, no povo ou na pequena burguesia, Cesário deixa-se influenciar por essas visões, que nele se refletem. Esses retratos de mulheres são floridos e repletos de cheiro, cor e sabor, sublimando os sentidos dos leitores, com o contínuo uso de metáforas e comparações entre partes do corpo feminino e meros frutos e legumes do dia a dia, elevando a sexualidade e a lascívia presentes no seu verso, como em “Um bairro moderno” – “E, como um feto, enfim, que se dilate, / Vi nos legumes carnes tentadoras, / Sangue na ginja vívida, escarlate, / Bons corações pulsando no tomate” (vv. 56-59). No quadro “Natureza morta com papagaio e bandeira” (1951), apesar de não ter sabido em vida, falar, ler ou perceber português, Frida fez um trabalho muito bom a interpretar esse poema de Cesário, sendo perfeita a representação gráfica, apresentando as cores, a ideia de cheiros e de sabor, convertendo o que poderia ser a normalidade dentro de uma fruteira, em algo sedutor, sexual. A sexualidade torna-se mais evidente, menos velada, no fruto maduro aberto para revelar a carne suculenta, num convite direto ao prazer, como podemos apreciar nesta obra.

Fazendo outro ponto de contacto entre a pintora mexicana e o autor português, sabe-se que ambos tiveram uma vida curta e cheia de percalços de saúde. Em “O Sentimento de um Ocidental” entende-se o constante conflito interno de um poeta deprimido que confessa e admite Lisboa como uma cidade aprisionante, com ruas delimitadas por prédios que provocam uma sensação de clausura, com edifícios sepulcrais cuja imagem remete para a morte, mas, que por outro lado, contém uma grande diversidade cultural, desde as burguesinhas do Catolicismo às varinas, costureiras, floristas e até o seu antigo professor de Latim. A mais conhecida frase de Frida (“Tentei afogar as minhas mágoas, mas as malditas aprenderam a nadar, e agora estou sobrecarregada com essa decente e boa sensação.”), mostra essa mesma incerteza em relação ao seu estado de espírito. Ambos – Verde e Khalo – viveram uma vida injustamente curta, cruel, e com pouco reconhecimento do seu esplendoroso talento.

Ângelo (Suficiente)

Aproveito o quadro «Melancholy» de Edvard Munch (1863-1944), pintado em 1894. Este quadro do pintor foi fortemente criticado pelo público. Edvard Munch tirou inspiração para pintar este quadro da triste traição amorosa que aconteceu a um amigo seu, Jappe Nilssen. A infância de Edvard Munch ficou marcada por várias doenças e pelo problema mental que herdou da sua família.Cesário Verde também teve vários problemas de saúde, tendo morrido de tubercolose no dia dezanove de julho de 1886.

Ambos — Cesário Verde e Edvard Munch — mostram sempre um sentimento de melancolia, medo e solidão. Podemos associar este quadro de Edvard Munch ao poema “A Débil”, de Cesário Verde. Ambos representam um homem triste que se sente apaixonado por uma mulher mas, no fim do poema de Cesário Verde, esse homem fica alegre e contente, enquanto que no quadro de Edvard Munch isso não acontece.

No primeiro plano do quadro podemos ver Nilssen, um homem melancólico, que parece estar a sofrer, sentado numas pedras, aparentando estar a pensar. Podemos associar este homem melancólico a Cesário Verde, uma vez que o poeta mostra-se, muitas vezes, triste e sombrio nos seus poemas como se sucede no poema “O Sentimento dum Ocidental I”: «Que as sombras, o bulício, o Tejo, a maresia / Despertam-me um desejo absurdo de sofrer.» (vv. 3 e 4); «O gás extravassado enjoa-me, perturba; / E os edifícios, com as chaminés, e a turba / Toldam-se duma cor monótona e londrina» (vv. 6, 7 e 8).

Em segundo plano, podemos ver um homem e uma mulher que estão prestes a entrar num barco para ir a uma ilha e nela namorarem. Podemos assumir que o homem que está no primeiro plano está triste porque a mulher que ele ama está prestes a ir com outro para uma ilha.Esta situação também está presente no poema de Cesário Verde “A Débil”: «A ti, que és bela, frágil, assustada, / Quero estimar-te sempre,recatada / Numa existência honesta, de cristal / Sentado à mesa de um café devasso , / Ao avistar-te,há pouco, fraca e loura, / (...) / Tive tenções de oferecer-te o braço. / (...) / Triste eu saí.Doía-me a cabeça» (vv. 2; 3; 4; 5; 6 e 22).

Acho bastante interessante o quão parecido o homem na pintura de Edvard Munch é parecido com Cesário Verde. Ambos sentem-se ou já se sentiram tristes devido a um assunto amoroso. O homem pintado no quadro parece estar bastante triste e só, daí este quadro se chamar «Melancholy», título que assenta perfeitamente na pessoa de Cesário Verde.

Pedro P. (Suficiente/Suficiente (+))

O quadro “Entardecer na rua de Karl Johan” (1892), pintado por Edvard Munch (1863-1944), pintor norueguês que nasceu em Loten, Noruega, e morreu em Oslo, pode ser comparado com o poema “O Sentimento dum Ocidental”, de Cesário Verde, já que ambos criam uma dada ideia de cidade durante a noite deprimida e doente.

Tanto Cesário Verde como o pintor norueguês criticam a impessoalidade, a solidão, a falta de higiene, as doenças e indisposição das pessoas na cidade de alguma forma. Na pintura estão todos a andar lado a lado, no entanto ninguém interage com a pessoa ao lado. O eu do poema “O Sentimento dum Ocidental”, sente-se deprimido e sozinho apesar de estar numa cidade, Lisboa, muito populosa, e rodeado de pessoas. Cesário Verde cria a ideia de indisposição através da doença, talvez dando indícios de que ele próprio morrerá, como morreu, de tuberculose.

No entanto Edvard Munch, teve receções ao seu trabalho completamente diferentes das de Cesário Verde. Este foi criticado durante toda a sua vida devido à forma como escrevia porque, à frente do seu tempo, não era percebido pelos outros. Os quadros de Edvard Munch foram objeto de ótimos comentários: uma das suas pinturas, “O Grito”, tornou-se famosa pouco depois de ter sido acabada. Apesar desta diferença, Edvard Munch também foi um dos inovadores de técnicas de pintura do seu tempo, tal como Cesário Verde.

Nesta pintura, reparamos que as pessoas deixam transparecer tristeza, pelas roupas pretas e estilo gótico, como se todos estivessem de luto; além disso, o pintor transmite uma ideia de indisposição ou doença, pelas faces pálidas e expressões de alguns (confronte-se com “O gás extravasado enjoa-me”, “O Sentimento dum Ocidental”, I, v.6).

As pessoas, na pintura, estão em fila, mas não alinhadas, talvez como se fossem um “carreiro de formigas” (“De Verão”, X, v. 5), como Cesário Verde escreveu.

Cesário Verde também faz uma espécie de contraste entre a luz dos cafés e andares das casas com o escuro da noite. Este contraste está definitivamente presente neste quadro, onde todas as janelas estão iluminadas (“A espaços, ilumina-se os andares, / E as tascas, os cafés, as tendas, os estancos”, “O Sentimento dum Ocidental”, II, vv. 9 e 10).

Acho interessante como é possível existirem duas obras completamente diferentes e, no entanto, com bastantes coincidências, criadas por pessoas diferentes em sítios tão distantes um do outro, com anos de diferença.

Miguel C. (Suficiente (-))

Este quadro é de Andy Warhol. Nele está representada uma atriz famosa, Marilyn Monroe, em várias versões da mesma imagem, a que o pintor apenas alterou as cores e as tonalidades mas em todas deixando inferir uma sensação diferente. Marilyn é um ícone do século XX e o artista pop, neste caso, queria mesmo tratá-la desse ponto de vista, como fez aliás com outras «marcas» (de latas de tomate, por exemplo). A imagem surge muito estilizada precisamente porque interessa enquanto emblema, símbolo.

Acho que isto se relaciona com o tipo de escrita de Cesário Verde porque ele também exagerava alguns aspetos do que via para dar ênfase ao que queria transmitir, como no poema de quatro partes “O sentimento dum ocidental”. Vemos essa estilização, essa hipérbole, de certo modo, em “Há tal soturnidade, há tal melancolia, / Que as sombras, o bulício, o Tejo, a maresia / Despertam-me um desejo absurdo de sofrer” (parte I, vv. 2, 3, 4), “Tão mórbido me sinto; ao acender das luzes; / À vista das prisões, da velha Sé, das Cruzes, / Chora-me o coração que se enche e que se abisma.” (parte II, vv. 6, 7 , 8).

Por outro lado, este quadro representa, tal como faz Cesário em muitos poemas, uma mulher bonita (frágil e, ao mesmo tempo, poderosa). Cesário escrevia muitas vezes sobre mulheres, idolatrava-as, elas muitas vezes curavam algo nele ou, ao mesmo tempo, causavam-lhe mal. Será assim em “A débil” (“Eu, que sou feio, sólido, leal, / A ti, que és bela, frágil, assustada, (…) Triste eu saí. Doía-me a cabeça. (…) A ti, que és ténue, dócil, recolhida, / Eu, que sou hábil, prático, viril.”), em “Num bairro moderno” (“E rota, pequenina, azafamada, / Notei de costas uma rapariga, (…) E recebi, naquela despedida, / As forças, a alegria, a plenitude, / Que brotam d’um excesso de virtude (…) O peito erguido, os pulsos nas ilhargas, / D’uma desgraça alegre que me incita; / Ela apregoa, magra, enfezadita, / As suas couves repolhudas, largas.”), em “De tarde” (“Mas, todo púrpura a sair da renda / Dos teus seios como duas rolas, / Era o supremo encanto da merenda” / O ramalhete rubro das papoulas!”).

A alusão recorrente a cores nas estrofes de Verde e a quase repetição dos versos “Um ramalhete rubro de papoulas» e «O ramalhete rubro das papoulas!» têm paralelo nas cores berrantes e multiplicação da mesma imagem usadas por Warhol.

Miguel B. (#)

Para a elaboração deste trabalho escolhi a poesia de Cesário Verde “De tarde”. O quadro que me sugere uma comparação é do pintor Renoir “Caminho subindo a encosta no campo”.

Renoir foi um pintor francês que nasceu em Limoges, em 21 de fevereiro de 1841. Foi autor de cerca de seiscentas obras e foi um dos precursores do impressionismo. Considero que o quadro que escolhi, é um cenário ideal para o que Cesário Verde imaginou para o seu “pic-nic” nos quatro quartetos que já referi.

A pintura de Renoir que representa uma bela paisagem campestre num dia soalheiro de verão ou primavera, matizada de cores suaves, salpicada pelo rubro de papoilas. O elemento feminino está presente, como sempre, nas obras deste pintor. Também Cesário Verde no seu poema criou um ambiente propício ao seu “pic-nic”. É um espaço descrito como muito belo, mas de grande simplicidade. Apesar de ser um “pic-nic” de burguesas, a beleza está na paisagem, no espaço envolvente e na presença feminina. O poeta considerou-o até “digno duma aguarela”. O verbo usado no gerúndio na expressão “descendo do burrico” dá a ideia de movimento, tal como o título da obra de Renoir sucede com o gerúndio no, “subindo”.

A descrição do espaço, com cor e luz do crepúsculo do fim do dia, é um hino ao amor, em que sobressai também a sensualidade feminina. O ramo de papoilas começa por ser o símbolo da alegria e da cor num campo florido de primavera ou de verão. No final, Cesário concentra-se nos seios da mulher que compara a duas rolas enfeitadas com o ramo de papoilas que ela colocou no decote. Aqui, o ramo de papoilas assume conotações de sensualidade, quer pela sua cor quer pela zona do corpo escolhida para o colocar.

Todo este cenário está descrito de forma muito imaginativa. Cesário transmite a simplicidade no ambiente rústico, na recolha do ramo de papoilas e no conteúdo da merenda. O poeta parece referir-se a uma experiência que vivenciou, ou imaginou, e a que atribui muita importância. Nos primeiros dois versos o uso do demonstrativo “Naquele” e da forma verbal no pretérito perfeito “Houve” remetem para o passado. A intensidade com que a faz é reveladora do valor que confere a este momento. Efetivamente, qualquer biografia deste poeta transmite que ele amava o campo. Apesar de viver na cidade, nunca esqueceu as suas origens. Foi no campo que viveu tempos da infância e mostrou-se sempre rendido aos seus encantos.

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